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Arte e Historia

Portadores de Sentido

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Puebla, Pue. a 8 de febrero del 2019

Por: Antonia Tapia Cruz

El director del Museo Amparo Ramiro Martínez, anunció la exposición “Portadores de Sentido” que se inaugurará mañana sábado 9 de febrero a las 12 horas con una charla a cargo de la curadora Sofía Hernández Chong Cuy.

La exposición reúne a 70 artistas de 16 países de América Latina y el Caribe, cuyas obras fueron adquiridas por la Colección Patricia Phelps de Cisneros, entre 1990 y 2005.

La curadora Hernández Chong Cuy identificó cuatro temas para la exposición:

* Teorías y métodos de la etnografía

* Geografía y territorio

* El entorno urbano

* El impacto social de los medios de comunicación masiva

El primer grupo, son obras que toman de la etnografía sus metodologías y sus formas, incluye a artistas como José Bedia de Cuba, con su obra Mamá Kalunga, que al principio pareciera de abstracción geométrica, pero con detenimiento se observa un pequeño barco que hace referencia a las embarcaciones de los esclavos que viajaban entre Africa y Cuba.

El segundo grupo, enfocado a la geometría y el territorio incluye a Pablo Cardoso de Ecuador, Elena Damiani de Perú, Juan Carlos Araujo de Venezuela y Manuela Ribadeneira de Ecuador. Artistas que se inspiran en las tradiciones de las expediciones científicas para su obra como Adrián Balseca de Ecuador, Irene Kopelman de Argentina y Paul Jonas de Estados Unidos.

Para el tercer grupo el tema es el entorno urbano, los artistas consideran el impacto que tiene el diseño de los espacios y estructuras urbanas sobre las comunidades.

Para el último, grupo los artistas exploran el impacto de los medios de comunicación en la sociedad y la identidad personal.

La exposición Portadores de la Identidad, permanecerá abierta al público en las salas de exposiciones temporales planta alta del museo amparo hasta el 22 de julio del 2019.

Arte e Historia

Erick Meyenberg “Re Mayor No Es Azul”

•El Museo Amparo presenta la exposición Erick Meyenberg. Re Mayor No Es Azul del 18 de enero al 18 de mayo de 2020

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Puebla, Pue. a 17 de enero de 2020

El Museo Amparo anunció la exposición Erick Meyenberg. Re Mayor No Es Azul, que será inaugurada el 18 de enero a las 12:00 horas con una charla entre el artista Erick Meyenberg y la curadora Gabriela Rangel, en el Auditorio Arq. Pedro Ramírez Vázquez.

Re Mayor No Es Azul reúne doce obras y proyectos del artista, que abarca más de quince años de producción. En su trayectoria profesional, Erick Meyenberg se ha orientado a la expansión de los canales de percepción humanos a partir de la elaboración de
meticulosos esquemas cromáticos.

En la obra se podrán ver tres ejes temáticos: la naturaleza, la historia y lo social. A su vez, la exposición refleja complejas problemáticas del presente que se establecen desde la pedagogía como instrumento ideológico, los monumentos públicos como expresión de manera colectiva, la integración cultural de minorías, la destrucción del medio ambiente, la militarización del territorio, entre otros temas.

La exposición inserta al espectador en múltiples capas, constituyendo una visualización de datos que el artista elabora aplicando valoraciones cromáticas. Dicha búsqueda le ha
permitido desentrañar poéticamente paisajes abismales de la data del presente amalgamados a textos literarios, estudios de las ciencias sociales, introspecciones autobiográficas y fisuras
del relato histórico, mediante la exploración de la relación imagen-sonido.

La obra de Meyenberg pertenece a algunas colecciones públicas como la del Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC-UNAM), el Museo Amparo, el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), la Fundación Telefónica (México) y la Fundación Benetton (Italia).

Erick Meyenberg. Re Mayor No Es Azul estará en exhibición del 18 de enero al 18 de mayo de 2020 en el Vestíbulo y Galerías 1, 2 y 3 del Museo Amparo.

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Arte e Historia

Diplomado en Historia del Arte Mexicano. Nuevas perspectivas

•El Diplomado está dividido en dos módulos: Módulo 1. Del Arte Indígena Antiguo al Arte Novohispano y Módulo 2. Del Arte del siglo XIX al Arte Contemporáneo
•37 conferencias a cargo de especialistas del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM

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Puebla, Pue. a 5 de diciembre de 2019

El Museo Amparo y el Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM ofrecen el Diplomado en Historia del Arte Mexicano. Nuevas perspectivas, del 7 de febrero al 11 de diciembre de 2020, con sesiones los viernes en un horario de 16:30 a 20:30 horas en el Auditorio Arq. Pedro Ramírez Vázquez.

El Museo Amparo y el Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM han mantenido una estrecha colaboración en los últimos trece años, realizando proyectos de investigación y de exhibición para el desarrollo académico y cultural del país, colaborando con diversos investigadores tanto en cursos y actividades académicas como en el Programa de Investigación de la Colección Permanente, exposiciones y libros digitales.

En esta nueva colaboración se cuenta con la Coordinación académica de la Dra. Angélica Velázquez Guadarrama, con el objetivo de brindar una perspectiva histórica, analítica y crítica de la historia del arte mexicano, el cual presenta un panorama general del desarrollo de las artes en México desde la época prehispánica hasta el siglo XXI.

Los temas se abordarán a partir de los más recientes enfoques teóricos y metodológicos en 37 conferencias a cargo de reconocidos especialistas del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM como Cuauhtémoc Medina, Pablo Francisco Amador, Arturo Pascual, 2 Muse oAmparo 2 Sur 708, Centro Histórico 72000 Puebla, Pue., México Tel. +(222) 229 3850 www.museoamparo.com Erik Velásquez, Clara Bargellini, Teresa Uriarte, Rogelio Ruiz Gomar, Gustavo Curiel, Deborah Dorotinsky, Elia Espinosa, entre otros destacados investigadores.

El Diplomado está dividido en dos módulos: Módulo 1. Arte Indígena Antiguo y Arte Novohispano, del 7 de febrero al 19 de junio de 2020, en 18 sesiones con una duración de 72 horas, y Módulo 2. Del Arte del siglo XIX al Arte Contemporáneo, del 7 de agosto al 11 de diciembre de 2020, en 19 sesiones con una duración de 76 horas.
El primer módulo del Diplomado conforma el período que abarca desde el arte indígena antiguo hasta el arte novohispano, constituyendo un cuerpo conceptual, crítico e histórico que le permita al participante introducirse al conocimiento de las prácticas artísticas concebidas en ese período.

En el segundo módulo, el participante se introducirá al conocimiento de las prácticas artísticas concebidas en los siglos XIX y XX, como arquitectura, pintura, fotografía y escultura, hasta las manifestaciones artísticas contemporáneas que le permitan ejercer un juicio de perspectiva crítica en relación al arte.

El Diplomado está dirigido a estudiantes, docentes y público en general interesados en el desarrollo de la historia del arte mexicano; al final del Diplomado se entregará una constancia con valor curricular por 148 horas a los participantes que cubran el 80% de asistencia al curso completo. Los alumnos que cursen uno de los dos módulos de acuerdo a sus intereses particulares, podrán hacerlo libremente sin existir seriación o codependencias entre ambos.

El Diplomado se llevará a cabo del 7 de febrero al 11 de diciembre de 2020, en un horario de 16:30 a 20:30 horas con un costo de $6,000.00 por módulo. La modalidad del Diplomado será de manera presencial o en línea. Las inscripciones se encuentran abiertas y se podrán realizar en la Taquilla o en la página web del Museo: www.museoamparo.com

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Arte e Historia

José Dávila. Pensar como una montaña

•El Museo Amparo presenta la exposición Jose Dávila. Pensar como una montaña, curada por Amanda de la Garza
•La inauguración se realizará el sábado 16 de noviembre a las 12:00 horas

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Puebla, Pue. a 15 de noviembre de 2019

El Museo Amparo se complace en presentar la exposición Jose Dávila. Pensar como una montaña, que será inaugurada el sábado 16 de noviembre a las 12:00 horas con una charla a cargo del artista Jose Dávila y la curadora Amanda de la Garza, en el Auditorio Arq. Pedro Ramírez Vázquez.

La exposición es un proyecto realizado específicamente para el Museo Amparo, bajo la curaduría de Amanda de la Garza. En la muestra, Dávila parte de la pregunta sobre la cualidad matérica y fenomenológica de la piedra, uno de los elementos primigenios, no sólo en la escultura sino también culturalmente. Un elemento que surge y es en la naturaleza; usado también por el ser humano para erigir sus edificaciones, mientras que en el tiempo pervive como vestigio.

La investigación emprendida por el artista para este proyecto se origina a partir de una amplia gama de referencias visuales e históricas, lo mismo que de una reflexión sobre los procesos de producción en donde el trabajo en el estudio juega un papel central para investigar y experimentar.

Jose Dávila es un artista autodidacta y multidisciplinario que presenta doce obras escultóricas y pictóricas; durante su trayectoria ha desarrollado una vasta obra dirigida por una serie de premisas de trabajo que exploran las relaciones entre materiales naturales y materiales industrializados, símbolos y significados, para producir nuevas articulaciones entre ellos.

La obra de Dávila establece un diálogo, por medio de citas, alusiones y guiños, con la historia del arte. De manera específica, incorpora en su trabajo las reflexiones planteadas por el minimalismo, la abstracción geométrica, así como del arte concreto brasileño, el constructivismo y el brutalismo. Sin embargo, también abreva de la literatura y de la poesía, de sus imágenes visuales y mentales, de su condición instantánea y a la vez duracional. Dávila ahonda sobre las diferentes potencias de la materia y la forma, las frecuencias de transmisión de los significados que comportan, al tiempo que su relación con el espacio de exhibición. El artista reinterpreta el vínculo entre el objeto y su contenido simbólico para hablar no sólo de la materia, sino de la relación que sostenemos con los objetos. Produce reflexiones que inquieren y profundizan sobre la especificidad de la materia por medio de un trabajo a la vez metódico e intuitivo. La obra responde al contexto pero lo hace de una manera abstracta, sin abandonar el sentido temporal que albergan los materiales que emplea.

Cada una de las obras en la exposición está constituida por vestigios y fragmentos, a pesar de que algunos de los elementos son unidades en sí mismas, o bien, sólo pueden existir en la medida en que establecen relaciones con otros. A partir de un sistema hecho de fragmentos, los objetos constituyen composiciones escultóricas y también paisajes líticos posibles, que hablan de aquello que es humano y al mismo tiempo montaña, roca y peñasco. El ojo sigue el fragmento para encontrar las tramas invisibles de los objetos. Una observación detenida; aquello que está presente o ausente frente a nosotros permite establecer sus contenidos simbólicos, así como el sistema de relaciones que soporta a cada uno de los objetos. Son al mismo tiempo metáfora y materia. La exposición permanecerá abierta al público en las Salas de Exposiciones Temporales Planta alta hasta el 16 de marzo de 2020.

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El Mictlan

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Ciudad de México a 29 de octubre de 2019

La fiesta de Día de muertos es de las más emblemáticas del país y fue reconocida por la UNESCO como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad en 2008.

Tiene su origen en la época prehispánica y refleja la idiosincrasia y la cosmogonía de los pueblos que habitaban este territorio antes de la Conquista europea, a través de la cual se reconoce la unión de dos mundos, el de los vivos y el de los muertos.

El rumbo del norte, el Mictlan, la tierra de los muertos o de los ancestros, es el rumbo de la sabiduría y sirve de puente o entrada a esta dimensión. Una vez al año, sus puertas se abren y las almas de los que han muerto pueden regresar y ser honradas. Así, se recorta la distancia entre ellos y quienes permanecemos en el mundo material, regalando palabras de aliento, reafirmando propósitos e intenciones, entregando conocimiento y guía y celebrando desde la memoria de los familiares o descendientes.

A lo largo de la historia, esto que originalmente implicaba una velada ritual familiar se ha ido convirtiendo en una fiesta más colectiva en la que la ofrenda prevalece como la forma de recibir y agasajar a los muertos, habitantes del Mictlan, quienes después de una travesía de llegada, circulan libremente a través de este portal cada año.

La ofrenda de muertos se ha instituido como una expresión artistica a través de la cual las personas en lo público y en lo privado establecen una conexión en la memoria con los ancestros. Contiene elementos como flores de cempasúchitl, velas, incienso, agua, sal y los platillos que en vida eran del gusto de la persona que es honrada, de tal forma que es en realidad una mesa de banquetes en la que las familias se disponen a celebrar la posibilidad de sentir a sus muertos más cerca.

La fiesta del Día de muertos a veces se percibe erróneamente como una celebración de la muerte, cuando simboliza la comunión familiar, el afecto y, ritualmente, el reencuentro con las enseñanzas de los ancestros, con su sabiduría y con su poder.

Angelcup

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